艺术家尹秀珍的新展览“无处不在”，在佩斯画廊香港空间开幕。从旧衣物到瓷器，展出的30余件作品中，大部分是近两年的新作。
尹秀珍的丈夫、艺术家宋冬是本次展览的特邀策展人，他说，“不管她用什么材料，都离不开人的气息、温度和记忆。‘人’在她的作品中，是无处不在的。”
冰冷的瓷
在展览准备阶段，宋冬与尹秀珍达成共识，这次的展览“无处不在”，不局限在尹秀珍创作的某一系列或某一类型，而是希望展示她长期关注的事物，体现出她的态度。展览现场，最早的作品是2011年的，其余绝大部分是新作。
从1990年代以来，尹秀珍以使用旧衣物、布料、鞋子等纤维材料创作，而广为人知。她将自己的旧衣物叠放整齐，放进父亲制作的木箱中，并灌以水泥封存，得到作品《衣箱》。而后，她收集他人的旧衣物，创作了《内省腔》、《可携带的城市》、《木马》等装置作品。
尹秀珍，《壁器—沧浪志卷九》2019-2021瓷、穿过的衣服 © 尹秀珍 2022各种彩色的旧衣物布片，同样出现在2015年开始的陶瓷为主的创作中。在坚硬的瓷器的缝隙，不规则的碎布填满了每一道裂口。材质各异的布料，自带不同的质感，仿佛是某种顽强的生命体，为冰冷的瓷器带来温度。
上：《壁器—沧浪志 卷十三》下：《壁器—沧浪志卷八》2021-2022瓷、穿过的衣服 © 尹秀珍 2022这组作品名为《壁器 - 沧浪志》，取自夫妇二人特别喜欢的苏州沧浪亭。青瓷烧制出来的层叠波纹，宛如一波波绿色的浪潮，呼应着沧浪的意象和寄情于景的传统。同时，卷起的波纹，又像翻动的书页，因而尹秀珍以“卷一”、“卷二”命名单个作品，仿佛它们集合在一起，就是一部关于沧浪的书籍。
上：《扣儿1号》，2015-2022 下：《扣儿10号》，2015-2022 瓷、衣扣、穿过的衣服 © 尹秀珍 2022在收集、裁剪旧衣物的过程中，纽扣是额外所得，但这些边角料也都被用到创作中。瓷器作品《扣儿》，将制作大件陶瓷时被切割下来的陶泥，与纽扣做了巧妙的结合。“扣儿”在北京话里就是“纽扣”的意思，另一方面，“扣”可以理解为绳结，这些色彩丰富、形状不规则的小雕塑，就像是瓷制的绳结。尹秀珍觉得，“生活中的绳结需要人来揭开，‘扣儿’就像待解的谜团，而人生则是不断求解谜团的过程。”在这次展览中，宋冬选择将这些小雕塑分散在空间里，希望观众一边走，一边与这些象征“无解之解”的谜团偶遇。展览“无处不在”，也展示了尹秀珍的纤维艺术创作。有一组墙面装置作品，远看就像一个个色轮。走近看，这些色轮都由陌生人捐赠的旧衣物制成。旧衣物被裁剪成和电影胶片相仿的宽度，布料按照由内衣到外衣归类叠放，再卷到一起。
按照布料卷的不同直径，尹秀珍定制了一系列大小不一的圆形盒子，并将布料卷像存放胶片般放进盒中保存，在盒盖上刻下每卷衣服的种类。
左：尹秀珍，《一句话 056号》右：尹秀珍，《一句话 042号》2011 不锈钢、穿过的衣服 © 尹秀珍 2022这件作品取名为《一句话》，尽管作品中没有出现直接的话语，但是每个人的衣服的颜色、款式、新旧程度、厚度，都有差异，都在做无声的表达。尹秀珍说：“这么多年，我真正割舍不掉的，是每一件衣服背后的故事，它们不仅仅是一片片布料，它们能带出使用者的经历、价值观，衣物的变化也是社会变迁的缩影。”
左：《涟漪10号》右：《涟漪5号》2020 木板、玻璃、塑形膏、穿过的衣服、水果/植物无论是布料、瓷器，或是水泥，尹秀珍的创作材料和灵感，总是从生活中来，跟生活中的一个个细节相关。她认为自己的创作从来都是很“具象”的，因为人在社会中的生活，让她感到触动的事物，也都是生动、具体的。
心里头总要有一盏灯
展览中，宋冬最欣赏的作品之一，是尹秀珍2022年的新作品《灯》。在一张长方形的展台上，有四盏形态相似的台灯。细看，白色灯罩的皱褶处，台灯底座，细细的拉绳上，都覆盖了一层厚厚的灰，这是尹秀珍用水泥干粉做的。宋冬在《灯》里读到一些悲凉感，也读到诗意的美感，“今天的世界这么复杂多变，但不管我们到底往哪去，心里头总要有一盏灯，哪怕光很微弱，也要保持它不灭，这样你就有不灭的希望。”在展览入口处，宋冬选择了一件非常有代表性的装置作品，来集中展现尹秀珍探讨的精神性内核。那是她创作于2019年的《般若波罗蜜多》，这次以新的面貌出现。
2019年，两人应邀来到山西省高平市，参加刘旭光策展的高平当代艺术节活动。艺术节的举办地很特殊，在高平市东北方高山上的千年古寺——开化寺。开化寺的大雄宝殿建于北宋年间，东、西、北三面墙上都绘有精美的壁画，是国内现存面积最大、保存最完好的宋代壁画之一。画面内容既与佛国故事相关，也涉及世俗社会的日常生活场景，既记录了贵族的宫廷生活，也有对平民耕作、捕鱼的描绘，凸显了精神世界与日常生活之间的联系。其中，一个女子坐在织机前织布的画面，深深地打动了尹秀珍，以此为灵感，她决定用织物做一件作品。
白色的布料，填充成长短不一的条形，悬挂在墙上，仿佛形成了一面白色的波浪。而图形，实际上是“般若波罗蜜多”（意为“智慧到达彼岸”）录音的可视波形。她还丈量了开化寺的三面墙的宽度，将作品的总长度设定成相同的数值。当时在艺术节的现场，墙内墙外，壁画和装置跨越千年，组成对“彼岸”的探讨。在画廊空间，原本音波背后的庙宇，被替换成古庙的黑白照片，成为衬托白色织物的背景。在宋冬看来，古老的开化寺位处高山之上，代表着人类精神世界的过去的智慧；画廊所在的闹市中的大楼，各楼层都恰由不同的画廊占据，每一个空间都堆满艺术品，储存着当代人的精神。作品《般若波罗蜜多》被陈列在展览的开头，使整个展览空间成为一个抽象的“当代庙宇”。“古寺和摩登大楼，两个建筑相差了900年，但作品仿佛连接了两者，重新审视着我们如何处置个体跟世界的关系。”宋冬说。
观众在山西开化寺（上）香港CHAT六厂与《般若波罗蜜多》互动（下）尤为特别的是，《般若波罗蜜多》是一件互动作品：观众凭抽签，有机会获取一段织物“音波”，就像在寺庙中求得上上签一样，有幸被抽中的观众被艺术家称作“有缘人”。简单的互动方式下，观众能够近距离地接触到艺术作品，织物的温度也得以传递。尹秀珍希望，当代艺术创作，也如开化寺的壁画一般，在探讨“精神与智慧”的同时，贴近人们的生活。
艺术家夫妻合作二十余年：
宋冬和尹秀珍，第一次自拍 1987年摄于彝族自治州布拖
尹秀珍和宋冬，除了以各自的艺术创作为观众所熟悉，他们常常能发掘出不一样的合作方式，让人眼前一亮。从2001年开始的“筷道”项目，是他们以双人身份创作的代表作品。与其说是合作，“筷道”似乎更能体现两位艺术家“拒绝对方的干扰，拒绝合作”的想法。这种“不合作的合作”操作起来并不复杂，他们首先一致决定做一双筷子，两人各完成其中一支，只在创作初期约定筷子的尺寸，除此以外互不干涉，创作全过程互相保密。
《筷子》2002
当时宋冬做了一支铜制的“金箍棒”，灵感来自于《西游记》中的定海神针。尹秀珍则用破旧的布料缝出布筷子，表面布满口袋。在展览现场，夫妻二人才第一回见到彼此的创作，面对以柔克刚的布筷子，宋冬不禁向尹秀珍感慨：“还是你厉害！”
《筷道4》2013
后来随着女儿的出生，女儿创作的“第三支筷子”也不时加入“筷道”项目。同住一个屋檐下，是否有人曾因好奇，在创作过程中试图刺探对方的想法？夫妻二人都给出了否定的答案。他们都认为，“筷道”项目最有意思的地方，就在于你不知道对方会做什么。尤其当一家人创作“筷道”项目时，大家每天都特别神秘。宋冬说，有一阵，女儿天天把自己锁在屋子里，“她不看我们的，我们也都不去看她在创作什么。这才是最有意义的。”他们透露，最新的一组“筷道”，预计明年在上海玻璃博物馆展出，也会有艺术家女儿参与，而且夫妇俩都是难得地体验了一次玻璃工艺。
青岛西海美术馆外，大姨们戴着鲜红或艳粉的头巾抓捕鱼虾
尹秀珍《圆缺》与宋冬《方圆济》西海美术馆，2021最近两年，两位艺术家又发展出新的合作方式，被他们称为“寄生式”。最典型的一次合作，发生在2021年，西海美术馆的开馆展“超越”中。在外方内圆的展厅里，尹秀珍和宋冬分别带来了作品《圆缺》和《方圆济》。尹秀珍收集了美术馆所在地青岛的阿姨们赶海时佩戴的鲜艳头巾，缝制成一张巨大的帘子，遮挡展厅中央圆柱的一半；透过空隙，观众可以看到她放在户外的四件装置，是分别用纸箱、杯子、汽车排气管和水管制成的“植物”装置。
宋冬在展厅的四面墙上贴满了镜面，还用椅子、灯具等日常用品制作了几艘“小船”，放置在展厅内。平滑的镜面，不但反射了小船上的灯光，还反射着更远处尹秀珍的作品，彩色的链条和荧荧的灯光相互映照。尹秀珍形容现场效果，“抽出任何一个人的一件东西，那展览就不成立了。”宋冬介绍，这种合作方式更多是从建筑空间出发，两人再依次加入自己的想法，相互配合。
宋冬和尹秀珍的工作室在京郊顺义，家还是在老城区的胡同里。近来闲暇时，两人喜欢溜达到北海公园。但哪怕是在公园里散步，看看白塔的间隙，两人还是喜欢关注身边的日常，比如读一读公园里的植物介绍，聊聊过去的生活和城市发展的历史，最近还在探究皇家园林，是如何转变成大众的园林的。
左上及左下：在北京制作《扣儿》右：在景德镇工作中宋冬在为我们解读尹秀珍作品时，这样概括妻子的创作精神：“不管她用什么材料，做怎样的创作，都离不开人的气息、温度和记忆。不管是抽象或者具象，都能感受到‘人’在她的作品中，是无处不在的。”
编辑：骆紫妍 责编：叶荔
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